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Comment progresser en photographie : quelques conseils

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Comment progresser en photographie : quelques conseils5.00 sur 50 basé sur 12 votants.


Sources : Presse et livres photo,  forums sur Internet (je remercie tous les contributeurs)
 


 

Progresser en photo n'est pas à mon humble avis de débutant, une tâche qui se limite à l'acquisition d'une technicité ou d'un savoir faire..

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Plutôt que de dire ce qui ne va pas dans une photo, dites plutôt ce que vous auriez aimé de plus pour que ce soit mieux.

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Les connaissances en arts graphiques sont primordiales, pour la composition, les couleurs, la lumière, ... Voire même le croquis, pour anticiper et préparer des projets. 

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Ce qui me manque le plus c'est de structurer des projets, c'est très important pour progresser à mon avis. Une espèce de fil rouge qui en fin de compte relie les photos pour leur donner une certaine cohérence et qui leur donne plus de force.

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La photo au fond c'est comme les échecs ou le poker et tant d'autres jeux, apprendre les règles ne prend que quelques instants (un peu plus pour la photo) mais apprendre à bien jouer, bien photographier prend parfois toute une vie...

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J'avais perdu toute créativité et inspiration puis un ami photographe amateur m'a dit : "oublies tes objectifs à part le 50mm et balades toi". du coup, je me suis restreint à un seul objectif et cela m'a forcé a retrouver les bases de la photo et j'ai retrouvé peu à peu de la créativité.

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Pour la composition, regarder l'exemple des peintres, des autres photographes et laisser votre esprit ouvert. Il vaut mieux "sentir" que comprendre ou analyser. (Un vieux truc de peintre en passant, regardez vos photos dans une glace, si la composition est bancale ça saute au yeux en renversant l'image).

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Pour progresser en photo nous avons besoin des autres, de leurs savoirs, et des exemples qu'ils nous donnent pour enrichir notre culture personnelle et s'ouvrir à de nouveaux horizons. 

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En une soirée passée dans un labo avec un tireur pro j'ai appris tant de choses que j'ai vite fait des progrès notables. 

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Sur les thèmes qui nous sont étrangers, qu'on ne maîtrise pas. Se frotter à tous les genres, tous les styles, explorer, être curieux. Repousser ses limites. 

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C'est certain une connaissance des arts graphiques est un plus ....ayant une formation de graphiste et concepteur multimédia plus de 20 ans cela m'aide beaucoup ....

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En tous cas, je peux vous assurer que ce n'est pas à l'école qu'on progresse vraiment. J'y suis, j'ai très peu appris en technique et j'ai surtout appris à avoir des critiques.

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En décidant de ne faire que de la couleur, que du N&B, ne travailler qu'au 20mm ou au contraire qu'au 200 mm, ne sortir qu'avec 1 seul boitier chargé avec une 25 ISO... C'est un changement minime et facile à faire, mais qui peut bouleverser sa manière de voir les choses, permettre d'explorer un peu de manière fortuite des domaines que l'on aurait pas soupçonné intéressant.

 

Les livres restent le dernier bastion de la culture générale et de la culture artistique en particulier. Par chance il existe des bibliothèques de prêt, des solderies où l'on peut voir des reproductions des plus belles œuvre d'art accessibles à tous.

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Lorsqu'on réalise une technique, quelle qu'elle soit, on finit toujours par trouver facile ce qui était difficile au début. Et finalement, on rencontre à nouveau des difficultés à aller plus loin. C'est là en réalité qu'on éprouve le plus le sentiment lié à la progression. Si tout paraît facile et qu'on est toujours satisfait de ce qu'on fait, c'est que soit on stagne, soit on a attend son but. Et plus on progresse, plus on a l'impression que l'étape suivante est longue à atteindre.

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Dans le regard, comprendre qu'il y a la forme et le fond, c'est à dire la composition, l'équilibre, la beauté plastique d'une part, et une intention, un propos d'autre part. Le propos n'est pas nécessairement un message de haute teneur mais peut être une simple allusion poétique, la captation d'une émotion ou d'un souvenir.

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Même les bons photographes ne sont pas objectifs, ils donnent juste leur avis et il est important que la production d'un artiste soit le reflet de sa propre personnalité et pas celui des autres, un lissage artistique pour satisfaire le plus grand monde ne présente aucun intérêt.  

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Je fais toujours le rapprochement entre la photo et la musique, je pense que ces disciplines sont très proches. Je suis donc batteur, j'ai beaucoup bossé et bosse toujours la technique pure, je fais mes gammes (je reproduis des schémas, des plans techniques). Mais quand je joue vraiment, que j'improvise ou interprète un morceau (je dis bien "interprète"), mon cerveau est comme déconnecté. Et là c'est top, là il y a comme une part d'âme dans ce que je produis, je touche l'art du bout des baguettes.

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Pour faire part ici de ma propre expérience de mon apprentissage – encore en cours – de la photographie et des réflexions qui me viennent au fur et à mesure, ainsi qu’au regard que mes apprentissages dans d’autres domaines, comme ceux de la musique ou de l’écriture, voici les éléments que je retiendrai : 

 

1) acquérir de bonnes bases techniques 

Certes, il y a d’excellents musiciens autodidactes qui n’ont jamais pris un cours de solfège, qui ne savent pas lire une partition. Mais pour un excellent autodidacte, combien d’autodidactes qui n’avancent pas, qui se dégoûtent, qui baissent les bras ? 

Acquérir des bases techniques, c’est ma manière d’asseoir ma progression à venir. Parce que pour progresser, j’ai besoin de comprendre. C’est peut-être une déformation professionnelle, mais j’aime bien pouvoir ne pas me contenter de reproduire des choses, et, au contraire, être capable de m’adapter en capitalisant ce que j’ai appris. 

Pour moi, les bases techniques, en photographie, ce sont aussi bien des notions fondamentales (faire arriver de la lumière sur une surface photosensible, et être capable de trouver la combinaison de vitesse, ouverture, etc., qui fait arriver sur la surface sensible la quantité de lumière qui va correspondre à ce que je veux créer) qu’un vocabulaire précis. 

J’inclus, dans ces bases techniques, celles qui sont relatives à la composition (formes, couleurs, etc.). Mon envie, en cela, n’est pas de savoir comment plaire à tout le monde avec une image, mais de savoir, au moins, ce qui semble « naturel » au regard du plus grand monde, et ce qui met, au contraire, l’esprit devant un certain déséquilibre. J’ai envie de savoir cela pour pouvoir faire mes propres choix. 

Acquérir des bases techniques, ça m’ouvre aussi la possibilité d’acquérir d’autres bases dans des conversations, dans des lectures, etc. 

Il me semble que l’intérêt est aussi d’acquérir les bases pour en arriver à être suffisamment à l’aise avec elles pour, ensuite, ne plus y penser, voire m’en affranchir. 

 

2) acquérir une culture du sujet 

Quand je me lance dans l’apprentissage d’un domaine, je m’intéresse à ce domaine dans son histoire, sa diversité, etc. Je ne suis pas, aujourd’hui, une culture bien établie de la photographie, de ceux qui l’ont faite et la font, mais je m’y intéresse. Je picore dans des livres, des magazines, des expos, sur le net, etc. Je me dis « tiens, ça, ça retient mon attention », ou « ça ne me touche pas », ou « j’aimerais bien faire quelque chose dans ce genre », etc. 

Ici, je suis confronté à quelque chose de largement plus subjectif que les bases techniques, à de l’esthétique, à des styles. 

 

3) confronter sa création au regard des autres 

A moins que de penser que l’on peut s’auto-évaluer de manière permettant de progresser, il me semble préférable de confronter ce que l’on fait au regard d’un autre, des autres. Avec la difficulté d’obtenir, de la part de cet autre, un double regard technique et esthétique. 

Le regard esthétique étant particulièrement subjectif, cette partie-là du jugement de l’autre est celle qui touche le plus à l’affect, et qui peut donc être le plus mal ressentie par l’apprenti. 

Le regard technique, lui, peut reposer sur des critères plus objectifs : c’est droit / ce n’est pas droit, c’est net / c’est (involontairement) flou, c’est cramé / c’est bouché, etc. Et là, il faut que l’apprenti ait l’honnêteté de reconnaître que, oui, le cliché est flou et que non, ce n’est pas « un style » mais une erreur de mise au point... 

J’ai un caractère qui me fait supporter les avis tranchés et directs sur les questions techniques comme esthétiques, ça m’aide à progresser vite, dans les différents domaines auxquels je me frotte. Mais je conçois que d’autres personnes en apprentissage puissent préférer plus de rondeur dans les avis qu’on leur exprime. 

 

4) éduquer son propre regard sur sa propre création 

Au fur et à mesure que l’on avance, il me semble intéressant d’apprendre à porter un regard critique sur ce que l’on a fait et ce que l’on fait. Pour la musique, ce n’est pas évident, à moins de disposer d’enregistrements. Mais pour l’écriture, pour la photo, on peut regarder les textes que l’on a écrits en débutant, les premières photos, etc., et essayer de trouver ce qui va et ce qui ne va pas dans ces différentes œuvres, se demander comment on procéderait différemment, etc. 

Ce qui veut dire, aussi, faire, faire et refaire. 

 

5) apprendre à recevoir des avis de toutes sortes, et à en faire le tri 

Je dirais que surtout, surtout, surtout, il ne faut pas se crisper en réaction à des avis donnés sur le net, dans des forums, etc. Notamment parce que même les gens de bonne foi, même ceux qui veulent apporter un avis constructif, peuvent avoir des formulations maladroites, qui ne traduisent pas exactement ce qu’ils pensent, ou qui peuvent être ressenties différemment du sens qu’ils voulaient leur donner en les écrivant. Quant aux gens de mauvaise foi, ou ceux qui se font un malin plaisir à descendre les autres gratuitement, il suffit de penser « toi, je t’emmerde » (et de ne pas l’écrire dans le forum, parce que ça déclenche souvent des guerres au lance-flammes, ce qui est peu propice à progresser sereinement !) et de ne pas réagir à chaud à leurs commentaires. 

Par ailleurs, personne ne détenant de vérité absolue, ni sur la technique ni sur l’esthétique, il convient aussi d’apprendre à se faire sa propre idée, parmi la foule des avis – positifs et négatifs – que l’on reçoit. Il faut faire le tri entre les avis qui touchent à des points critiques qui font qu’une photo est manifestement « ratée » et les avis qui relèvent plutôt de goûts et dégoûts personnels. 

 

6) se dire qu’on est apprenti toute sa vie 

Garder l’esprit ouvert sur soi-même et sur ce qui nous entoure, c’est le meilleur moyen de ne pas tomber dans le piège de se croire « arrivé ». Le dicton « on apprend tous les jours » peut sonner éculé, mais il me semble que c’est le mieux adapté à l’idée de progression. Ce n’est pas se morfondre dans l’incertitude, dans l’absence de confiance en soi, mais plutôt une façon de garder l’envie.

Photo de Jean-loup Sieff violon
 
 
 
"Etre créatif veut souvent dire savoir reconnaître et suivre une piste, l'explorer même si l'on n'est pas tout à fait convaincu qu'elle mène quelque part, arriver parfois à des impasses, revenir sur ses pas et recommencer. Etre créatif  pour moi veut souvent dire photographier des choses d'une façon qui peut sembler totalement ordinaire au moment de la prise de vue, mais qui peut se révéler ensuite tout à fait extraordinaire. L'inverse arrive en fait plus fréquemment. La créativité signifie étre ouvert, écouter ce qui vient de l'intérieur comme de l'extérieur, quelque chose qui peut s'avérer trés difficile lorsque vous regardez votre montre. Il est important d'étre attentif et concentré, ce qui pour moi veut en général dire être seul, loin de toute distraction. Dans le jargon des coureurs de marathon, on appelle cela entrer dans la "zone ", un point de totale concentration et relaxation simultanées. Je suis convaincu qu'on peut atteindre cela en photographie aussi, et c'est une expérience mentale très satisfaisante et très productive."  Michael Kenna.
 
Lu 4767 fois Dernière modification le mardi, 07 février 2017 21:40
Rémy Gautard

Passionné par la photographie argentique & numérique et pratiquant la photo depuis maintenant plus de 30 ans, j'organise avec Studio-plus.fr des stages d'initiation pour débutants jusqu'aux plus expérimentés. Retrouvez-moi sur Google+

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Témoignages

  • Dès les premières minutes, une atmosphère fortement sympathique se fait ressentir.Au fur et à mesure de la matinée des échanges sur nos différentes expériences de la photos s'opère, Rémy notre "maître de conférence" défile le cour, ses conseils s'imprègnent. Après la théorie, place à la pratique.Les clichés se dévoilent dans la lueur des flashs, dans une atmosphère studieuse et décontractée des stagiaires, mettant en application tous les conseils donnés. Une journée fortement agréable. Encore merci pour cette Journée.
    VinceFoto

  • Bonjour,Merci pour le stage, vraiment très bien.J'ai appris énormément. Vous remercierez madame pour le repas.J'espère sincèrement à un autre stage.
    T.R. Photographe (dept 63)

  • Bonjour,Encore merci pour ce stage en tout point exceptionnel sur le plan photographique et gastronomique.À bientôt pour un nouveau stage et bon week-end.
    A.G., photographe à Paris

  • Bonjour,Merci pour la qualité de votre stage. C’était très agréable.Vous trouverez les photos reprises et mises en ligne sur mon blog: http://magamellamoi.over-blog.comCordialement,
    G.T. photographe (93)

  • J'ai chargé les photos de Sonia sur mon ordi et il n'y a vraiment pas grand chose à jeter ! Elle est super ! Merci encore, elle pose en Pro et je n'ai jamais fait d'aussi belle photos ! Comme un Pro ! Merci, Bien à toi et à Marie-Christine.
    D.B. Photographe en Seine et Marne