Photo numérique

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Le HDR pour de grandes plages dynamiques

Comprendre le H.D.R. L'imagerie HDR (High Dynamic Range) a été créé pour palier au problème de la compression de la dynamique du capteur. Dans une église par exemple la dynamique s'étend sur plus de 15 IL alors que le capteur numérique lui ne peut pas assimiler plus de 8 ou 9 IL (IL = indice de lumination : combinaison du diaphragme et de la vitesse d'exposition, définissant ainsi une quantité de lumière atteignant le capteur) ! Le HDR résoud le problème des blancs brulés et des plages sombres sans détails. Le principe du H.D.R. est de prendre plusieurs photos avec des expositions différentes pour restranscrire les écarts d'exposition alliant les lumières hautes aux lumières les plus sombres. Les images sont ensuite réunies en une seule de 32 bits avec un logiciel comme Photoshop ou Photomatix. Le HDR est particulièrement bien adapté aux paysages avec un rendu attrayant. Mais le résultat est parfois artificiel avec des couleurs trop accentuées ou criardes, halo, texture exagérément détaillée...

La composition photographique par l’exemple

La composition des images ne doit pas être considérée comme une fin en soi mais comme une aide à la créativité Qu’est-ce que composer ? C’est tout simplement arranger les éléments de l’image qui diffèrent par leur forme, leur couleur et leur taille en une unité propre. De la qualité de cette association naît l’équilibre de la composition d’une photo. La composition répond à des règles de base qui ont fait leurs preuves puisqu’elles s’appuient sur l’expérience des peintres du 19 ème siècle qui, en les mettant à profit, ont réalisé des chef d’œuvres qui ne cessent d’émerveiller notre regard. Il est primordial avant de dessiner ou de peindre d’observer, de percevoir le sujet principal dans son environnement. Il en est de même en photographie. Le facteur temps joue aussi un rôle dans la composition d’une image. La disposition des éléments à photographier est primordiale dans la réussite d’une bonne photo, sachez reconnaitre le moment décisif ! Il est important de prendre du temps pour placer convenablement son sujet. Il est vrai que lorsqu’on saisit une scène sur le vif on n’a pratiquement pas le temps de composer l’image. Néanmoins avec de la pratique on arrive à placer artistiquement le sujet en quelques secondes. Les règles de composition sont nombreuses, cette aptitude de voir artistiquement l’image semble innée chez les artistes mais l’amateur a toujours la ressource d’apprendre et d’assimiler les techniques des grands maîtres de photographie. La règle des tiers L’image est divisée en 3 parties horizontalement, nous nous la représenterons comme suit par exemple un tiers pour le ciel et les deux autres tiers pour le premier plan. Les lignes de force et les points forts pour composer une image Le sujet principal d’une photographie doit immédiatement attirer l’attention. Les lignes de force de l’ image permettent de séparer la photo en 3 tiers horizontaux et 3 tiers verticaux A l’intersection de ces quatre lignes de force se trouvent les quatre points forts : notre sujet principal sera placé sur l’un de ces quatre points ou sur deux ou trois de ces points. Leur détermination permet de décentrer le sujet et d’équilibrer la photo. Attention à ne pas laisser un trop grand espace vide lorsque votre sujet principal est décentré, il sera nécessaire d’ajouter ne serait-ce qu’une petite tâche de couleur pour que l’ensemble soit équilibré. Le centre de l’image n’est pas un point fort et il est peu recommandé de centrer un sujet ou de mettre la ligne d’horizon au milieu du cadre. Une erreur type du débutant : le photographe se tient trop éloigné du sujet et place...

Albert Watson : pourquoi le noir et blanc ?

"Ce qu'il y a de magique avec le noir et blanc, c'est la qualité surréelle, étrange : dans la vie, tout est en couleur, on voit en couleur. Le noir et blanc donne alors une vision irréelle des choses. Mais que l'on fasse du noir et blanc ou de la couleur, l'essentiel c'est d'avoir d'abord un concept, une idée qui justifie l'emploi de l'un ou de l'autre. Beaucoup de photographes choisissent l'un ou l'autre par facilité technique, car ils ne veulent pas tenter ce qu'ils maîtrisent le moins. Certains optent pour le noir et blanc pensant qu'il y a moins de paramètres à contrôler, pour sa latitude d'exposition. Pour moi, le noir et blanc est un choix émotionnel, il s'impose de lui-même avec certaines atmosphères ou sujets. Mais il faut éviter les systématismes et les idées reçues. Je prends l'exemple d'une photo de mode à réaliser avec des vètements noirs : on pourrait se dire que le noir et blanc est une évidence. Pas pour moi, au contraire, en couleur, avec le teint de la peau, celui des cheveux ou des bijoux, les vêtements noirs seront mieux mis en valeur, seront plus riches, plus luxueux. Aussi, l'idée que seule la photographie noir et blanc est une valeur artistique sacrée, c'est du passé. L'époque d'Edouard Weston  ou de Paul Strand, connus pour leurs superbes tirages noir et blanc, c'est une autre époque. Je n'abuse pas de la retouche, je veux dire des effets spéciaux, je fais juste un nettoyage du négatif ou du fichier. Mes idées, elles viennent à la prise de vue, pas au développement. Mon portrait de Mick Jagger fut réalisé en double exposition. La photo noir et blanc se vend aussi bien que la couleur, elle sera toujours là. Je viens de voir un film en noir et blanc, Le rubant blanc de Michel Haneke, palme d'Or à Cannes, c'est magnifique. Le noir et blanc reste plus que jamais d'actualité." Texte de Albert Watson, photographe Albert Watson est un photographe de mode et portraitiste écossais, né à Édimbourg en 1942. Depuis les années 1970, il marque le huitième art par des publicités (Gap, Levi Strauss & Co., Chanel), des affiches de films ou des couvertures de Vogue, Rolling Stone, ou Time. Il met en scène, dans un style caractéristique, les icônes de la mode, du rock, du cinéma. Il réalise par ailleurs, lors de ses voyages, des photographies de paysages également exposées à travers le monde. ...

Noir et blanc ou Couleur

Laquelle de ces deux images préférez-vous ? La conception souvent admise par le public est qu’une image, un dessin ou une peinture avec des couleurs saturées est plus flatteuse qu’une image en N&B. Depuis la généralisation du numérique (facilité, coût) jamais autant d’images en couleur n'ont été réalisées.  Pourtant le médium photographique « limité » au noir et blanc peut produire un résultat artistique plus puissant, expressif et dramatique que des images en couleur. Il suffit d’observer les photographies de paysages N&B d’Adam Smith ou Brett Weston pour s’en convaincre. Les peintres tels que Picasso, El Greco ont beaucoup exploité l‘univers monochrome. L’expressionnisme allemand (peinture, dessin, collage...